viernes, 29 de marzo de 2024

SPITTING TONGUE XII: вершина / VERSHINA - "D E M O" (AUTOEDICIÓN, 2023)

`Vértice, cima o pico´ parece ser la traducción correcta del término cirílico вершина (VERSHINA), nuevo proyecto de Funeral Noise Sludge (de momento instrumental) que surge casi que por casualidad. Os remito a repasaros un poco la entrevista realizada a EDENA hace poquito para tener todos los datos posibles. 

Abril del año pasado, EDENA como banda son invitados a tocar un directo en el aniversario del veteranísimo programa de radio `Desenterrador´ que por circunstancias que me son desconocidas no pudo celebrarse bajo el nombre de EDENA. Ni cortos ni perezosos forman Vershina con Gorka (Ballard) y Pele (antiguo batería de Bervna) que se suman a Aitor para dar un concierto al que siguen cuatro más, siendo uno de ellos recogido en el Bilbao Death Fest grabándose de forma cruda y directa (como un bocadillo de mercurio de termómetros antiguos) con tres micros y volviendo en espíritu a esa etapa brutalífica de Bervna.

21 minutos de Sludge instrumental muy agrio y con tintes de Funeral Noise con gotitas de Corrupted, amagos de KHANATE y una intensidad agria alucinante. Toda la energía del directo con una guitarra devastadora, una base rítmica plúmbea como pocas y toda esa acidez implícita que llevan las bandas de este estilo nacidas en el País Vasco. Así a nivel de bandas estatales me recuerdan a los primeros HIPOXIA pero sobre todo, ese despliegue de voracidad acre y los parones con acoples son marca de la casa Ballard y Bervna (en mi opinión). Lejos de quedarse estancados, bajan a los subterráneos del Funeral Doom pero mezclado con pátinas Noise... lo que parecen gritos de fondo añanden una sensación considerable de claustrofobia y la manera en que todo se desarrolla es fresca, dinámica o con el espíritu de una Jam decrépita (arranques Crust incluidos).

Puede pillarse la cassette en el bandcamp (limitada a 20 y quedan 8) y espero que este proyecto tenga continuidad porque estoy muy falto de bandas que me drenen el líquido cefalorraquídeo.

https://vershina.bandcamp.com/album/d-e-m-o



jueves, 28 de marzo de 2024

HIEMIS - "MALLEUS MALEFICARUM" (NOCTIVAGANT, 2023) + HEREJE TÚ, HEREJE YO... UNA ENTREVISTA A JUAN CARLOS TOLEDO

Tengo el inmenso placer de compartir una breve conversación mantenida con Juan Carlos Toledo sobre su magnífico Malleus Malleficarum, nuevo álbum de HIEMIS que viene a poner otro ladrillo en esa inmensa catedral sonora que son Thule (Gradual Hate, 2019), Hyperborea (Noctivagant, 2019), Radix (Noctivagant, 2020), La Chose (Gradual Hate, 2021), Zothique (Noctivagant, 2021) o Yggdrasil (Noctivagant, 2023). No he podido resistirme a realizar un breve ejercicio de nostalgia pero eso es algo que leeréis en la entrevista. Con respecto a Malleus Malleficarum es otra obra maestra de HIEMIS que a pesar de la prodigalidad con la que compone, es capaz de reinventarse y ofrecer frescura álbum tras álbum.

Amantes del Dark Ambient más ritualístico van a ver sus expectativas más que saciadas en un disco contextualmente trazado sobre el pérfido Martillo de las Brujas escrito por los monjes dominicos Heinrich Kramer y Jacob Sprenger y publicado en Estrasburgo en 1487. Poco voy a añadir al respecto porque el libreto que viene dentro del Digipack de la edición física publicada por NOCTIVAGANT (limitado a 100 copias) lo relata a la perfección. Musicalmente son 51 minutos estructurados en una suerte de apócrifa suite de 9 cortes que incluyen recitados extraídos del mismo libro. Momentos más sinfónicos se alían con partes que parecen ir de la mano con la Kosmische más oscura gracias a claustrofóbicos pasajes de sintetizadores y que por alguna sinapsis extraña mía, se me va la cabeza bastante a discos absolutamente míticos como los de Fernando Machado / MORPHEUS y su Elohim (1998) y Ouroboros (1999) o helados pasajes a lo Jaaportit, acetábulos de la vieja Dungeon Music de Mortiis y un exquisito gusto por la sobriedad renacentista son sólo algunos ingredientes que podemos destilar en viejos alambiques alquímicos. Es ahí cuando entran los exquisitos andamiajes catedralicios de los viejos Elend o los icónicos Emme Ya.

Pero no me malinterpretéis. Una de las principales características de HIEMIS es que consigue un universo propio y particular en cada álbum que no aburre ni decae un instante. Lejos de estériles nihilismos vacuos, Juan Carlos se ejerce como antropólogo y sociólogo musical para darnos aprendizaje en cada uno de sus discos.

Abre "Quod Maledictum" con una densa pátina malsana muy cercana al Horror Folk en sus diversas variantes (tanto cinematográficas como sonoras) tan en boga estos últimos años. Un chirriante drone se mezcla con un soliloquio de voces caprinas, crepitar de madera, ruidos de naturaleza parando de forma abrupta para permitir la entrada de un nostálgico y absorbente piano conformando un gélido ambiente ancestral que embriaga al oyente amortajando de musgo sus fosas nasales. Sigue "Eternus Ignis" y sus aires proféticos. Vientos procesados abrazan amagos de Noise especialmente efectivo a máximo volumen con auriculares; micro melodías que parecen surgir de un desalmado casiotone y voces en latín susurradas se sincronizan en un decrépito vaivén. "Mali Spiritus" inicialmente posee cualidades meditativas monacales y litúrgicas que invitan a la introspección zurcido con unos motivos melódicos que me recuerdan muchísimo a viejos proyectos de Funeral Ambient Doom extremo como los olvidadísimos Hlidolf o Beyond Black Void

Desconozco qué instrumentos se han usado, pero me encantan esos acoples electrificados de "Incubi et Succubi" que parecen la versión espectral de campanas. Spoken Word, Noise y Drone se únen como un sacramento desconocido con lejanísimas bases percusivas ultra deformadas aunque prefiero de largo esos tonos casi apocalípticos necro gregorianos de "Foedus" y sus motivos melódicos cercanos al Dungeon aunque es especialmente remarcable lo cerca que pueden estar algunos momentos de los primeros Tangerine Dream o Schulze. La parte más atonal y abstracta de HIEMIS hace acto de presencia con "Invocatio ad Daemonium", prácticamente un score cinematográfico aunque pronto vuelven los efluvios medievales con la hímnica y redentora "Fidem".

Afrontamos el tramo final con los 10 minutos y pico que conforman "Iuramentum" y "Confessio". Efectos de viento mezlados con sonidos tubulares procesados hacen vibrar el espíritu en la misma longitud de onda que la Tradición Perenne Guenoniana. Obligados a renunciar a ese término despectivo del paganismo, transitamos la senda obligada de la tortura física y espiritual. Ambient Drone para intentar ahuyentar a lo daimónico. "Confessio", uno de mis cortes preferidos del disco, nos agarra etéricamente de ese cordón umbilical que nos une a lo Junguiano. Obligados mediante tortura a desgarrar carne y alma, sentimos esa evanescencia propia de los momentos iniciáticos del ser humano. Lento, asfixiante corte luminiscente en cierta forma que culmina otro excelso trabajo de Juan Carlos Toledo.

JUAN CARLOS HIEMIS Y CORONEL MORTIMER SENTADOS EN UN ÍGNEO CADALSO CONVERSAN AJENOS AL FUEGO. HEREJE TÚ, HEREJE YO....

UNA ENTREVISTA CON JUAN CARLOS TOLEDO



Saludos Juan Carlos. Es un placer poder charlar contigo tras haber escrito sobre todos tus trabajos de Hiemis. Antes de meternos de lleno en ese proyecto, tengo que reconocer que soy una persona bastante exhaustiva en cuanto a los datos así que me gustaría que empezáramos por tu primera banda Lament con la que llegásteis creo que ha sacar tres grabaciones (y que se remontan nada más y nada menos a 1996) y el posterior proyecto Silent Love of Death con tu hermano.

Cuando llevas mucho tiempo en algo, recordar los inicio lo sueles hacer con nostalgia y cierta melancolía de manera inevitable; en mi caso recuerdo la emoción de grabar en un estudio semiprofesional intentando darlo todo en cada toma para que sonara lo mejor posible. 

Eran los 90 y la escena oscura estaba en pleno apogeo con sus distintas vertientes (gothic rock, darkwave, darkfolk, etc) En nosotros estaba la intención de plasmar nuestros intereses musicales en una banda de música alineada al sonido del sello 4AD. Contábamos con una cantante, guitarras arpegiadas con efectos eco y delay que se encargaba mi hermano Miguel Ángel y un bajo contundente el cual lo interpretaba yo. Grabamos una primera maqueta con 2 canciones, participando en alguna emisora de radio y en lo que por aquel entonces se estilaba como los fanzines. Recuerdo la emoción de ver nuestra reseña en el fanzine madrileño Archive de nuestro amigo Juan Fco. Camacho Conesa.

Posteriormente grabamos un par de maquetas más pero con un sonido menos dulce y más áspero, cercano al rock gótico y a la coldwave. Nos quedamos sin cantante y tuve que pasar a las voces. Comenzamos a usar referencias literarias en nuestras canciones con autores como Edgar Alan Poe o Guy de Maupassant.

(Lament)

Reconozco que sinceramente no he tenido ocasión de escuchar nunca nada de ambas bandas porque nunca he tenido el material a tiro o me movía por círculos más Doom pero sí leer alguna reseña en la vieja Revista Maldoror o quizás Mentenebre. Lo que sí sé es que fueron discos muy bien vistos y valorados por público y crítica.

Así es y fue a raíz del año 2000 cuando damos un paso adelante en cuanto a la forma de trabajar que condicionaría todo lo demás. Adquirimos y montamos nuestro propio estudio de grabación en casa. Nos dio una versatilidad para probar nuevos sonidos y una nueva forma de interpretar y concebir la música con las nuevas tecnologías. 

De esta forma en 2002 conseguimos grabar "The Poet´s Senses" nuestro primer álbum como Silent Love of Death y publicarlo bajo el sello discográfico italiano Palace of Worms. El proyecto había madurado a sonidos más cercanos al darkfolk: guitarras acústicas, líneas de cuerda, timbales. Conceptualmente era una oda al romanticismos del siglo XVIII-XIX y a los autores más representativos de ese espíritu.. Espronceda, Rosalía de Castro, Bécquer, Baudelaire, William Blake, etc.  Fue un álbum que tuvo una muy buena aceptación por la crítica y nos dio pie a participar en varios recopilatorios bajo el sello vasco Caustic Records de Manix, "My dear freaks I" y "My dear freaks II" con bandas como Trajedesaliva, Narsilion, Trobar de Morte, etc.

Unos esbozos más sobre aquella época antes de avanzar en el tiempo. Revista Maldoror, proyectos tremendos como Traje de Saliva, El Luto del Rey Cuervo, Morpheus…. ¿qué diferencias captas entre aquellos lejanos años y la forma de vivir la música actualmente? ¿teníais contacto con otras bandas?

A finales de los 90 y en los inicios de los 2000 había una escena oscura underground en nuestro país que con el paso del tiempo ha ido desapareciendo: fanzines como Archive, Maldoror, Sekuencias de Culto, webzines como Sonidobscuro, Mentenebre, La Defunción, programas de radio, locales, festivales...y por supuesto bandas como las que mencionas. Nosotros, por nuestro carácter, por nuestra localización geográfica (Andalucía) y por otros factores no hemos estados dentro de dicho circuito de una forma directa. Por supuesto, a través de conocidos hemos tenido algún contacto pero de manera puntual.

(Silent Love of Death)

Fuertemente influenciados por los poetas del XVIII y XIX irrumpen Silent Love of Death y me llama especialmente la atención esa dedicación en vuestro `Donde Habite el Olvido´ a Luis Cernuda. ¿Por qué Cernuda? 

Recuerdo que en aquella época (2008) mi hermano y yo redescubrimos el surrealismo en sus distintas disciplinas y vimos en la obra de nuestro paisano Luis Cernuda la excusa perfecta para homenajear su figura como autor de una poesía especialmente bella. Comenzamos a musicalizar sus versos y nos decantamos por el spokenword como herramienta perfecta para conjugar los textos de Cernuda con nuestra música. 

Posteriormente  se nos ocurrió aderezarlo todo con la aportación visual de nuestro amigo Guillermo García,  quien fue elaborando un videoclip para cada canción . Todo ello se plasmó en nuestro segundo y último álbum "Donde Habite el Olvido" publicado en 2011 bajo el sello valenciano GH Records de nuestro ilustre y queridísimo amigo Avencio Delgado.

Llega un momento en que se disuelve (ignoro si traumáticamente o no) Silent Love of Death e inicias el proyecto Hiemis. ¿Qué cronología sigue este asunto? ¿Ya venías componiendo cosas más enfocadas al Dark Ambient o llegaron ambos proyectos a coexistir?

La verdad es que fue todo gradual y muy natural. Vas evolucionando como persona y surgen nuevos intereses, nuevas responsabilidades, nuevos estilos de vida. Mi hermano se fue apartando a otras ocupaciones y yo continué con la música. Tuve un amago por retomar el sonido de la coldwave de antaño con un proyecto llamado Resurrectina, publicando un Ep en bandcamp sobre el año 2016 pero fue en 2018 cuando elaboro una propuesta sólida con Hiemis. Ya había probado en etapas anteriores con Silent Love of Death alguna canción con sonidos ambientales, por lo que profundicé experimentando sobre ciertas texturas de dark ambient, obteniendo como resultado el álbum Nachtstücke, publicado en formato digital en GH Records.

(Silent Love of Death)

¿Por qué llamarlo HIEMIS? Yo sé el significado pero prefiero que lo cuentes tú.

Buscaba un nombre sencillo, que se identificase con la música que elaboro. Todo aquello relacionado con la estación de invierno encajaba perfectamente. Poco más.

Uno de los aspectos que destaco más de HIEMIS es su claustrofóbica belleza. Casi una experiencia iniciática, tus álbumes parecen llevar un extenso trabajo de investigación. Desde los nombres de los temas a las portadas, hay cierta simbología. `Thule´ de 2019 es si no me equivoco tu segundo contacto con el sello Gradual Hate Records. Mi pregunta va a ser un poco extraña…. ¿crees que la Atlántida estuvo en Sevilla o zonas aledañas? Un tartésico de pura cepa como tú tiene que tener su opinión al respecto.

Desde hace un tiempo todo lo relacionado con la mitología y las antiguas culturas me apasiona. La cuestión es que sobre la antigua civilización de la Atlántida hay mucho escrito y muchas teorías pero pienso que aún quedan sorpresas por descubrir. Una visión de la civilización atlante que me apasiona es la que plantea el profesor e historiador Germán Cabello Aethelman. Plantea un mega imperio formado por diversos reinos con intereses comunes, expertos en navegación y otras disciplinas y que llegaron a controlar gran parte de Occidente. Y que el epicentro de este imperio estuviese ubicado en suroeste de nuestro país y en concreto en unas zonas actualmente pantanosas de la provincia de Sevilla no lo descartaría.

¿Cómo fue el contacto con Avencio de Gradual Hate? Es decir, dado que alternas trabajos en el sello Noctivagant (Albuquerque, New Mexico) y otros con Gradual Hate, estoy bastante despistado con este asunto. Mi suposición es que tu prodigalidad compositiva lleva a tener que compartir álbumes en dos sellos pero no sé si estoy en lo cierto.

Conozco a Avencio desde que colaboraba en el webzine Sonidobscuro, donde precisamente nos hizo una entrevista a Silent Love of Death. Es de las personas con mayor capacidad de trabajo que conozco y un referente dentro de la escena underground por todo lo que hace como promotor cultural y responsable del sello GH Records. 

Le debo la oportunidad que necesitaba para sacar adelante el primer álbum de Hiemis, y cada vez que hemos coincidido para colaborar lo hemos hecho muy a gusto. Es muy cómodo trabajar con él. Pero como bien dices no siempre coincidimos, especialmente cuando compones más de un álbum al año. Phillip, responsable del sello norteamericano Noctivagant también es un buen amigo, tiene otra forma de funcionar pero también muestra buena predisposición a la hora de publicar los álbumes de Hiemis y es con quien actualmente tengo una mayor continuidad colaborativa.

`Hyperborea´ me pareció un discazo descomunal. Las referencias aquí a Lovecraft, Sprague de Camp o Ashton Smith se acentúan con `Zothique´ por lo que quiero entender que eres además de tartésico eres lector. Me parece magistral mezclar (o dejar fluir) las doctrinas teosóficas con lo aparentemente fantasioso de escritores como Robert Howard o Ashton Smith. 

Me alegra que te guste, Antonio. Es curioso que con el paso del tiempo y tras editar ocho álbumes, mucha gente coincide con este disco o les llama la atención. Realmente mi intención, como seguidor de la literatura lovecraftiana y con todo lo que la rodea quise inspirarme en la obra de Clark Ashtom Smith pero también aproveché para poner sobre la mesa las distintas teorias teosóficas como las de Blavasky, Evola o Guenon.

`La Chose´ (Gradual Hate, 2021) es un disco que me fascina. El sincretismo, la figura de Martínez de Pasqually y la Sophia entroncan con la Tradición Perenne de René Guenon. ¿Qué puedes contarme sobre este maravilloso disco? Su contexto, cómo se grabó (es profundamente rico en matices) y sin querer ponerte en compromiso de ningún tipo, ¿qué creencias profesa Juan Carlos Toledo?

Me fascinó la capacidad y convicción de Martinez de Pasqually por conectar con el otro lado, con aquello desconocido que generaba a su vez terror y atracción.. Musicalmente intenté hacer una banda sonora con una composición clásica (piano, cuerdas y viento) para cada una de los grados que conformaban el proceso de aleccionamiento de los discípulos en la Orden de los Ellus Cohen.

Sobre mis creencias, opino que además de nuestra naturaleza, la que conocemos o al menos creemos conocer existen otros caminos, otras realidades inexploradas que en situaciones muy concretas podemos llegar a sentir o al menos intuir. Pienso que aún nos queda mucho por "redescubrir".

Deconstruir la Psique Alquímica de los viejos constructores de Catedrales no es nada fácil. `Radix´, otra belleza arrebatadora, nos lleva al hermético, críptico simbolismo griálico medieval mientra que `Yggdrasil´ se centra en la mitología nórdica y deja pinceladas excelsas de ese Neofolk que aunque sutil y mezclado con tu particular manera de deslizar el Dark Ambient, aporta ese punto distinto a otras bandas. Tus discos por tanto tienen algo (o todo) de conceptuales. ¿Es HIEMIS un contador de historias a la luz del fuego?

Me alaga la pregunta. Si llegas a la conclusión de que la música de Hiemis te traslada a otros tiempos, otras civilizaciones con dioses desconocidos y tierras sorprendentes, el viaje ha merecido la pena. En Radix a través de la obra alquímica soterrada en las catedrales en la búsqueda de Dios y su vínculo con el hombre... En Yggdrasil el origen y destino de nuestro universo según la mitología nórdica a través del relato de una sacerdotisa... son dos buenos ejemplos. Creo que queda clara cuál es la repuesta, amigo mío.

Por otro lado, dada la complejidad de ciertos pasajes donde asoman elementos de instrumentos percusivos, de viento y demás, ¿te has planteado alguna vez aumentar la formación? Y ya de paso y aunque tendría que habértelo preguntado mucho antes, ¿cómo es tu manera de proceder a la hora de componer?

Tras grabar Yggdrasil en colaboración con Eva Molina a la voz, me sirvió para reflexionar sobre lo enriquecedor que es abrirse a otros a la hora de trabajar algo que es tuyo. Fue una experiencia muy grata y estoy enormemente agradecido por la profesionalidad y buen hacer de Eva. Otra cuestión seria incorporar otro componente a la formación con todo lo que conllevaría.

Sobre el proceso de composición suelo meterme en mi estudio una vez que tengo definida la parte conceptual a la cual suelo dedicar bastante tiempo. Voy improvisando con los secuenciadores hasta conformar una estructura que me convenza. A partir de ahí trabajo todas las canciones que componen el álbum a la par, evolucionando y probando con distintos sonidos hasta la edición final.

▶ Tu último disco hasta la fecha es `Malleus Malleficarum´ cuyo título habla por sí solo. ¿Qué te ha movido a usar `El Martillo de las Brujas´ como subcontexto a tu música?

Es curioso cómo te viene la inspiración. En esta ocasión todo surgió tras ver el film The Witch de Robert Eggers. Me impresionó tanto el ambiente claustrofóbico como la historia que me llevó a leer varios libros sobre brujería, siendo uno de ellos el Malleus Malelficarum. A raíz de ahí entendí que era el nicho perfecto para construir sobre él un nuevo álbum.

Hay cierto halo cinematográfico en este álbum que lo aleja un poco de los anteriores. ¿Qué puedes contarme sobre la composición, grabación y elección del artwork para el disco? Llegados a este punto creo que eres tu propio ingeniero de sonido y tu propio masterizador…. ¿me equivoco?

Lo cinematográfico está presente en muchos de los discos que compongo, me encanta el cine y las bandas sonoras. Posiblemente en Malleus Maleficarum destaque este aspecto por las pistas de sonido de campo que incorporo con efectos de la naturaleza, de objetos o incluso humano. La idea era recrear una atmósfera lo más insana posible en muchos de los pasajes que conforman el álbum. A diferencia de los discos anteriores que son básicamente instrumentales, he dejado un espacio a la voz narrada como elemento complementario que enriqueciera las texturas de los secuenciadores, muchos de ellos distorsionados.

Sobre el artwork suelo participar de manera muy activa en cada uno de los álbumes que conforman la discografía de Hiemis. Creo que forma parte importante de la obra por lo que entiendo que hay que cuidar hasta el último de los detalles. Y para mí, que no soy un experto en la edición de imagen, se me abrió una ventana cuando accedí a la IA. Creo y confío, que la virtud está en la medida justa, y que usándola de manera correcta es una herramienta que facilita a las personas creativas elaborar sus proyectos de manera eficaz. A mí me sirvió para crear el artwork de mi último álbum y estoy muy satisfecho del resultado.

Con respecto al sonido, en este tiempo he aprendido la manera más práctica para sacar los proyectos... la autosuficiencia. Por lo que sin ser un profesional de la materia, no me ha quedado otro remedio que ir gestionando tanto la edición musical como la producción. Siempre aprendes cosas nuevas.

¿Qué piensa Juan Carlos Toledo de la Santa Inquisición? ¿Crees que algo semejante puede repetirse?

Fue uno de los hechos históricos más depravados que han carecido de castigo o coste alguno a los responsables, especialmente me refiero a los ideólogos de tal atrocidad. Por supuesto que se ha repetido y se repetirá, solo hay que mirar a los distintos conflictos bélicos donde hay soterrado un interés por castigar o eliminar al que piensa o es distinto por cualquier condición.

Prácticamente a la par de la salida de `Malleus Malleficarum´ me he topado nada más y nada menos con que has montado el sello OMINOUS SOUNDS cuya primera referencia es `Rituals from Ancient Europe´. 

El azar es así de caprichoso en cuanto a las coincidencias. Llevaba un tiempo cavilando en devolver a los demás lo que yo había recibido de manera tan grata, el apoyo y el respaldo suficiente para publicar un tipo de música tan compleja a la hora de ver la luz y darla a conocer. Con lo que conlleva afrontar un reto de esta envergadura, me puse manos a la obra, comencé a contactar con distintos músicos de distintos países con intereses comunes y surgió el álbum Rituals from Ancient Europe. 

Creo que es un álbum muy equilibrado donde confluye tanto la música ritual y el dark ambient. La crítica y el público están valorando de manera muy positiva este estreno del sello Ominous Sounds. Espero que sea el comienzo de una prolífera trayectoria. El tiempo dirá.

Va siendo hora de despedirnos Juan Carlos. Lo primero, preguntarte por proyectos de futuro tanto con Hiemis como con Ominous Sounds y lo segundo, pues que ha sido un placer y este es tu espacio para despedirte o contar lo que quieras. Te dejo la palabra:

Actualmente me encuentro inmerso en la promoción del sello Ominous Sounds, cerrando y acordando próximas publicaciones. Una de ellas será el nuevo álbum de Monotone Murk además de alguna que otra sorpresa. Con respecto a Hiemis estoy elaborando la parte conceptual del próximo álbum.

Me gustaría aprovechar estas líneas para aplaudir y apoyar todas aquellas iniciativas como "La Muerte Tenía un Blog". Cada vez es más necesario el cuidado y fomento de la cultura y en este caso de la escena más underground. Mis felicitaciones Antonio por tu buen trabajo y desearte lo mejor.


lunes, 25 de marzo de 2024

TRAVO - "ASTROMORPH GOD" (SPINDA RECORDS SDR18103 / GIG ROCKS!; 2023)

Si tuviera que citar a una banda que sea la antítesis de los también portugueses The Black Wizards (que me encantan, por cierto), serían TRAVO. Y la razón de la comparación es porque creo (si mi cabeza no me falla) que ambas son de Braga. Si los primeros hunden sus raíces en una psicodelia setentera fuzzera muy estilizada, los que hoy os traigo son tan inasibles como mascar chicles de mercurio.

Absolutamente extasiado con el Garaje Psych del enchufadísimo cuarteto portugués que tras su debut Sinking Creation (basado la novela The Blue World de Jack Vance), nos traen ahora Astromorph God; seis cortes que van desde plúmbeas bases Kraut a momentos salvajes de Heavy Psych desbocado. Música intensa como defecar diarrea de astillas, momentos melódicos que contrastan con salvajes y ácidas cabalgadas, devaneos mediúmnicos de sintetizadores y voces que te impalan la barrera hematoencefálica. No te quitas ni un segundo la sensación de estar haciendo pogo en una ciénaga electrificada... Proto Punk lisérgico y a la yugular a lo primeros Hawkwind o unos cibernéticos MC5 tocando en Cabo Cañaveral en la fiesta de Graduación de la primera promoción de Astronautas de 1961. La formación, pues estos:

David Ferreira: bajo y guitarra eléctrica / Gonçalo Carneiro: guitarra eléctrica, sintes y percusión / Gonçalo Ferrira: voces, guitarra eléctrica, electric baritone guitar, guitarra acústica, percusión y piano / Nuno Gonçalves: batería y percusión. La grabación y mezcla es de Budda Guedes en Moby Dick Studios (Braga, Portugal) para posteriormente masterizar Clara Araujo en Arda Recorders (Porto, Portugal). Artwork de IMUNE y edición en CD y LP a cargo de SPINDA RECORDSGig Rocks!.

No puedo poner comparaciones con Sinking Creation porque no lo he escuchado, pero puedo asegurar que Astromorph God lleva sonando aquí en bucle un buen tiempo. Abre "Omen" como una entradilla épica a cualquier disco de Heavy Metal de esos de toda la vida.... vaya, que no desentonaría con los Manowar. Sólo minuto y pico para que luego ya estalle "You Won´t See Me", cargada de Hard Rock y un bestial trabajo de las guitarras que no paran de doblarse a sí mismas. Voces agudas y a veces casi robóticas (me encantan) al estilo de los Mars Red Sky (o incluso Voivod) y una potente base rítmica van de la mano hasta conducir el tema a un clímax de intensidad Psicodélica hipnótica bestial. Cogemos un poco de aliento para la genial "Arrow Motion" con un riff de guitarra ultrapegadizo y épico. La hiperactiva base rítmica no decae mientras las voces se doblan a sí mismas en imposibles y lacónicos coros agudos. Sintetizadores salvajes (tipo Yuri Gagarin) son una muralla que destaca todavía más en ese cáustico pasaje instrumental a partir del minuto 4 o así. 

Como detectar señales procedentes de una civilización avanzada en en quinto Pino mas Allá de Orión y tras reunir a lo más granado de los intelectuales humanos darnos cuenta de que son eructos de extraterrestre. Vaya, vaya nivelón que se gastan estos portugueses; tras la Jam instrumental, vuelta a los motivos melódicos del inicio. Sigue el minimalismo de la apertura preciosista de "Faceless Ghoul"... tras unos compases sutiles nos vemos metidos en un fantástico corte que me trae a la cabeza a la versión más Prog de los Dungen con esos cuasi pastorales toquecitos que se van recrudeciendo y unas voces muy conseguidas, con espacio para los wah wah y el fuzz introspectivo, subidas / bajadas tensionales y motivos propios de la Kosmische.

Ojo, cuidadito con la amenazante "Turn to the Sun". A todo trapo, garajera y psicotrópica, no deja títere con cabeza; un terrorífico yunque con predominancia de un percutor bajo y unos desarrollos de las letras en modo himno que en directo debe de ser una pasada. Y como colofón final, 15 minutos de la homónima "Astromorph God" con inicio de un enchufadísimo bajo y una percusión ascendente en modo `motorik´. Hard Psych de alta alcurnia con voces tipo vocoder y un desarrollo caleidoscópico descomunal. Una cabalgata que recorre el espacio repartiendo sonidos que alteran el estado de consciencia, solos de guitarra que son como eco dopplers buscando detritus espacial, energía pura y esa crudeza característica del Garage Psych, sí que se permiten incluso a bajar a terrenos más acústicos en algún que otro pasaje aunque sólo sean leves trazos antes de volver a meterte en su centrifugadora sonora.

Impresionantes TRAVO.

https://spindarecords.bandcamp.com/album/astromorph-god

https://travoband.bandcamp.com/




miércoles, 20 de marzo de 2024

MODDER - "THE GREAT LIBERATION THROUGH HEARING" (CONSOULING SOUNDS; SOUL199 / LAY BARE RECORDINGS, 2023)


`Oh bien nacido, escucha atentamente:

Estás experimentando la unidad de todas las formas vivientes
Si la gente te parece hecha de goma y sin vida, como muñecos de plástico,
No te asustes
Esto sólo es un esfuerzo de tu ego para mantener su identidad separada.
Permítete sentir la unidad de todo, mézclate con el mundo alrededor tuyo
No tengas miedo
Disfruta el baile de los muñecos, los crea tu propia mente´

Tremebundo segundo álbum de los Sludge Trance Doom Psych instrumentales belgas MODDER tras su homónimo debut de 2021. The Great Liberation Through Hearing es un tremenda mano de hierro que te oprime la tráquea hasta el crujimiento existencial. Inicialmente un proyecto en solitario del guitarrista Mathlovsky (debuta con el EP Mudslinger que por cierto se recoge en un muy interesante recopilatorio que podéis encontrar aquí); posteriormente se une el batería Gregory Simons para grabar el single Mount Frequency (2021) que sale por el reputado sello Lay Bare Recordings (que fuera casa de mis añorados Pyramidal o Domo). A partir de aquí se expanden a quinteto con Maurice Van der Es (bajo), Simon Felix (electrónica) y Maxime Rouquart (guitarras) para sacar el homónimo Modder (2021). 

The Great Liberation Through Hearing se edita por el sello de culto CONSOULING SOUNDS junto a LAY BARE RECORDINGS en Cd y Lp con diseño / artwork de George Liam Flett (aka THRONE y muchos más pseudónimos); por cierto, esa mezcla de colores de la portada con el azul pálido y el rosa neón, junto al tipo de la contraportada en moto me lleva a acordarme a esa ola de pósteres cinematográficos a lo Color Out of Space o Prisoners of the Ghostland (casualmente las dos con Nicolas Cage...) 

(Photo by Maximiliaan Dierickx)

El disco suena muy compacto, fresco y en cierto sentido `moderno´ y eso es obra de Brad Boatright (Audiosiege) que hace la mezcla en House Of Lov Studio tras dos sesiones de grabación en Dunk!studios a cargo de los reputados ingenieros de sonido Jonas Everaert y Jannes Van Rossom. Todo este compost de personas manipulando el sonido lejos de perjudicar a la grabación, en mi opinión consiguen que todo suene coherente y muy fresco llevando las ideas compositivas de cinco miembros a buen puerto justo en estos tiempos en los que se llevan bandas más reducidas. 

Desde brutales pasajes de Thrash amortajado en electrónica a momentos en que se roza el barroquismo de los S.U.P. menos experimentales, para pasar a momentos de PsyTrance metalero y toques Voivodianos, MODDER se marcan casi 40 minutos que no son fáciles de clasificar y que por razones personales están basados en el Libro Tibetano de los Muertos o Bardo Thodol. Una de las cosas que me gustan de este disco es ese `groove´ mitad desértico, mitad futurista que consiguen y buena muestra de ello son los 8 minutos de "Belly Ache". Comienzo aplastante de Brutal Death con base rítmica enchufadísima y compacta que pronto baja algo las revoluciones para permitir el paso a un doble despliegue de riffs de guitarra sólidos y con toquecitos Avantgarde que no terminan por definirse por un estilo concreto (hay momentos que pueden traerte a la cabeza a los Fear Factory). 

La manera de meter la electrónica aboga por lo Industrial (su toquecito Killing Joke de los dos últimos discos hay en algunos momentos) y el desarrollo épico de ciertos momentos de la guitarra casan de forma excelente; por lo demás los tempos están muy bien medidos y al contrario que muchos de estos discos basados en lo instrumental, Modder no aburren ni un instante y pasan con facilidad pasmosa de un pseudo Grind bastante técnico a un aplastante bucle netamente Sludge para cerrar el corte (ojito que con auriculares todo adquiere una profundidad distinta). Sigue "Gazing into Domination" cuya compleja vértebra o andamiaje musical que vuelve a traer a los Killing Joke o quizás mejor a los October Tide. Ululantes adornos de sintes acompañan una potente apertura hasta que de forma abrupta inhalamos sonido en polvo crepuscular. Melódico y pegadizo en medio, vuelta a la agresividad en la parte final con entrecortados ritmos de la batería y sutil electrónica en un plano bastante escondido. Os recomiendo evadiros de lo que ocurre en primer plano y poner vuestra escucha atenta en los barroquismos de fondo.... la experiencia sonora cambia muchísimo.

"Doom Denker" se mueve en terrenos más pantanosos en principio (como digo, revitalizando el viejo Sludge) para luego mezclarse con esas texturas propias del Post Metal y aunque sorprende menos es igualmente efectiva. Digamos que ejerce de avanzadilla a la claustrofóbica y casi Cyberthrash "Feral Summer" que va ganando en intensidad para rozar el Black Metal de nuevo cuño. Fantástica la melodía central orientalizante y cómo está calculado todo para que no sobre ni falte nada. Metal Industrial no es, Sluge puro tampoco y aunque se cumplan estándares del Death Metal melódico tampoco van los tiros por ahí. Móntate tu propia película que para eso tienes neuronas. 

El tramo final pasa por la sobria, hímnica y Doom "The Devil is Digital". Arrastrada y persistente, toma el control un percutor bajo que junto a la percusión se cargan todo a cuestas para que las guitarras trabajen a placer con un muy buen contraste entre el puro riff y el acople `ad nauseam´. Por algunos momentos recuerdan (pero sin voz) a los espaciales ritmos de los KRUX. No me gusta la palabra Stoner así que vete imaginando otra cosa... y ya de paso me defines esas espectrales voces sampleadas que abren la acojonante "These Snakes" con unas percusiones tribales sutiles, un sinuoso y amenazante ritmo que podría ser un apócrifo corte de la bso de Tetsuo.... hasta que luego todo conduce a ese inmenso agujero negro que lo draga todo en esa singularidad donde espacio y tiempo se unen; momento / instante donde la serpiente se mueve la cola y se transforma en Ouroboros. 

Ese, ese es el lugar donde se produce la `Gran Liberación a Través de la Escucha´. Esa escucha del moribundo a través de las palabras leídas del Bardo Thodol y que sirven de guía ritual simbólica para recorres el laberinto de los estados intermedios.

https://consouling.be/release/the-great-liberation-through-hearing

https://modder.bandcamp.com/album/the-great-liberation-through-hearing



viernes, 8 de marzo de 2024

JOSEP LLUÍS GALIANA - LA LIBRE IMPROVISACIÓN, Fuente Inagotable de Inteligencia Emocional (EDICTORÀLIA MÚSICA 41, 2024)

Desde el fabuloso prólogo de Bartolomé Ferrando, hasta esa extensísima bibliografía de las páginas finales, La Libre Improvisación Musical es otra muestra más del prolífico excelso hacer de Josep Lluís Galiana, portador de un currículum tan largo como uno de esos ejercicios respiratorios clásicos de Evan Parker al saxo. Músico improvisador de gran reputación a nivel europeo, escritor, editor y mente preclara donde las haya a la hora de hacernos empatizar, comprender y compartir un sentir a veces tan libre y salvaje como lo es la Libre Improvisación.

No creo que pueda aportar demasiado a lo ya escrito por Ferrando que nutre por anticipado y hace de monumental cicerone de los escritos que nos vamos a ir encontrando a lo largo de unas 160 páginas. Una de las principales características del estilo de Galiana es mezclar a la perfección la erudición con lo divulgativo y usando una de las palabras del subtítulo del libro, lo empático. Que el lector comprenda lo escrito y fluya en lo sonoro sin perder pie ocurre gracias al bloque de cuatro ensayos que abren el libro y que aun teniendo diversas procedencias (revistas, ponencias, ensayos....) casan perfectamente porque están elegidos en un orden muy preciso. Por cierto, la acuarela de la oreja que ilustra la portada (L´Orella) es de Carla Galiana Rodríguez.

Desde esos `antecedentes de la improvisación musical en España [...] de Cervantes a las primeras vanguardias del siglo XX´ a `Descubriendo nuestro Sonido Interior (En Recuerdo de la Infancia)´, el autor va desgranando históricamente sobre el proceso creativo libre y espontáneo convirtiéndonos en `huesos timpánicos´ de su literatura y por tanto haciéndonos vibrar con ese continuum que pasa desde el lenguaje verbal a todo tipo de correntes sociológicas y políticas (Dadá, el Fluxus o ese himno ya inveterado y Debordiano de `La Sociedad del Espectáculo´). Por tanto no tenemos que hacer esfuerzo alguno al leer a Galiana sino abrirnos holísticamente a lo que nos propone y que complementa anteriores obras suyas como Emociones Sonoras. De la Creación Electroacústica, la Improvisación Libre, el Arte Sonoro y Otras Músicas Experimentales o esa maravilla mediúmnica de Deep Listening de Pauline Oliveros publicado igualmente por Edictoràlia.

He dicho escucha (o listening) y es que el autor hace no sólo hincapié en las mil y una ventajas del ejercicio de la práctica de la Libre Improvisación Musical, sino también qué formas tiene el oyente de permearse, empaparse y ser cuerpo poroso a esa a veces atonal, abstracta y ominosa masa de sonido que sin el apoyo de lo visual puede asustar a más de uno. Porque una cosa es asistir a un concierto y otra ponerse una grabación encapsulada (no es lo mismo `ver / oír / sentir´) a Barry Guy al contrabajo que sólo escucharlo. Por cierto, curioso esto de `ver, oír y sentir´ en la libre improvisación porque es el algoritmo clásico del soporte vital básico en una reanimación; si viendo, oyendo y sintiendo sabemos que alguien sigue VIVO, usando la misma reflexión para la música prolongamos nuestra existencia y cordón umbilical a ese gran inconsciente colectivo Junguiano VITAL (VIDA) al que se `enchufan´ los improvisadores para conseguir vibrar en la misma longitud de onda (creo que era Evan Parker quien decía que era una constante el hecho de que varios músicos sin previas instrucciones improvisando acaban todos llegando a una especie de `mismo lugar´, misma `textura´ o `misma sincronización´).

El resto de escritos que van desde prólogos hasta reseñas nos van llevando a ese inexorable final que no es más que una invitación a redescubrir los cientos de grabaciones que yacen en mis estanterías que a buen seguro y haciendo una errónea concatenación de palabras, a partir de ahora los `escucharé con otros ojos´. La Libre Improvisación Musica, Fuente Inagotable de Inteligencia Emocional es un libro que ayuda con una facilidad pasmosa a introducirnos a esa caída en picado que es la ausencia de estructura a priori reconocible, que inconscientemente practicamos a diario tanto en lo que hablamos como en ese maravilloso intercambio de información de la amigable charla como bien describe el prólogo de Galiana al libro Cartas en torno a Manolo Millares, Pablo Palazuelo y otros. Una Correspondencia (2018-2022) entre Alfonso de la Torre y Joan Gómez Alemany

Salir de la zona de confort para curiosamente alcanzar más confort si cabe e incluso tal y como Avelino Saavedra hizo en su Frozen Drumscapes, hacer que el oyente se vea inmerso en un proceso de sincretismo tan extremo y brutal que las fronteras acaban barriéndose de un plumazo.

Tanto para el que toca como para el que escucha, como del que escucha para el que toca... y por supuesto, para el que toca escuchando.

https://www.edictoralia.com/la-libre-improvisacion-musical-fuente-inagotable-de-inteligencia-emocional/


viernes, 1 de marzo de 2024

CLOSE/STARE COMPILATION · "TRASPASA TU MARCO, NO TE EVADAS" (OIGOVISIONES LABEL OV24, 2023)

ESTA RESEÑA ESTÁ DEDICADA A LAS PERSONAS QUE CUIDAN DE SUS SERES QUERIDOS EN EL VERGEL DEL NACIMIENTO TANTO COMO EN EL DESIERTO DEL DECLIVE. SACRO ES EL CORDÓN UMBILICAL QUE NOS UNE.

Traspasa tu Marco, no te Evadas, es una de las entregas de los especiales recopilatorios CLOSE/STARE del Sanhedrín sonoro OIGOVISIONES LABEL con dos variantes; por un lado, una versión en digital con 21 artistas seleccionados por socios y colaboradores (mas una remezcla de Javier Rey/Círculo de Sucesos) cuyos beneficios fueron donados a Médicos sin Fronteras tal y como establecieron los ocho fotógrafos encargados de realizar los ocho diseños, mas una versión física en Cd con 10 de los cortes. En cuanto a la fotografía, son NUDO (dos versiones), Mara B. Stones, Thierry Massard, Fran Barrionuevo, TJ Norris, Emilio Mula, Rocío Verdejo y Juanlu Barlow los encargados de, tal como se cita en la web, pergeñar `nueve secuencias fotográficas de diez fotogramas cada una que conformarán 90 portadas únicas. 100% fotográfica, 100% secuencial (según se mire), X% figurativa… Del cristalino al oído interno todo encaja y se transforma, como en cada pestañeo´. Comentar que esta es la tercera entrega de dichos recopilatorios tras los anteriores (no los he visto, pero intuyo que igualmente bellísimos) Acto de Fe (OV.11, 2020) y Volvamos a Perturbar el Tiempo (OV.17, 2022).

Por cierto que ya sabéis que siempre que hablamos de las ediciones físicas de OV LABEL me gusta hacer referencia en lo posible al material usado para la confección puramente DIY de sus ediciones: 13,7×13,7cm sequence still printed on 295gr TECCO Fine Art Rag 100% cotton paper + Inlay on 180gr Materica Artico paper, y como siempre  black paper bag for Cd & PE protective sleeve with OV sticker.

(one and only, MARA B STONES)

En el caso que me ocupa y en base a la copia recibida, es Mara B. Stones la encargada de secuenciar el instante #1 en 10 maravillosas singularidades (donde espacio y tiempo confluyen) en blanco y negro ritual, atávico y pérfidamente arenoso y que ha dado a bien en titular SAINNING, imagino que en un contexto plagado de conexiones de Sanación Ancestral (`Observo el rito de paso como una danza sagrada, como integración de lo material y lo espiritual, como cable conector de lo cósmico y su naturaleza. Una criatura ha venido al mundo y traspasa el umbral bendecida por todxs nosotrxs´). El tratamiento del sonido es de Rubén Suárez y han sido sequenciados por Kitty Soul.

No quisiera hacer este texto demasiado farragoso, así que dejo la investigación de las bios de los artistas al respetable lector y me meto de lleno en la música. Respiro profundamente, parpadeo y abre el disco Ernesto Rosa con "Aire y Condición", tema enmarcado dentro de un sutil Ambient Drone planeador y profundamente Kosmische. Hacen acto de presencia ligeros vislumbres alienígenas y pulsátiles motores que inducen a un trance que se mezcla con grabaciones de campo de sonidos cotidianos, glitches y toques percusivos minimalistas ligeramente metálicos. Aroma selvático de jungla opioide intravenosa, se continúa de forma magistral y sutil con David Mata y "Float Limit". Es curioso como el hilo umbilical de los 60 minutos del CD parecen haber sido concebidos como si de una obra conceptual se tratara... no hay elementos disruptivos y se escucha del tirón como si fuera todo de un mismo artista. 

Como digo, el ya conocido por este blog David Mata acentúa la exudación de sonidos selváticos que se despliegan / deslizan sobre un manto drone casi litúrgico. Ecosistema de víboras, pájaros y otros entes (vivos o no) conviven en una suerte de ballet mecánico que imita la vida mucho mejor que la propia vida (nota mental: comentarle a DIOS que lo han superado). "La Victoria le Pertenece" de JUAN entra fuerte y es más agresivo aunque sin llegar al terrorismo sonoro del Industrial. NoiseArt sería la etiqueta perfecta para los parpadeantes despliegues en cascada de su música, que un puntito de cinematográfico y futurista tiene... y por cierto magníficos los cánticos y los acoples de distorsión del tramo final. "Simpla Beleco" de Berinaq opta por algo más luminiscente y evocador. Con la impronta nostálgica de viejas grabaciones y esa pátina crujiente de los antiguos formatos, bases melódicas de electroacústica y tonos espaciados de piano se construye una bella y sutil coda. 

Sigue Pablo Casares en modo experimentador procesando instrumentos de viento en la fabulosa "Anexo", especie de Lounge antigravitacional con bases de Acid Cool Jazz teratogénico que encierra muchas capas de tratado y una inusitada versatilidad en la composición. Música deconstruída para mundos en construcción. Magnífico. Siguen los siete minutos de "El Acto" de Elhecho plagadísimo de collage sonoro y mucha manipulación... un poco al estilo de esas barrabasadas con cintas que cortaban y pegaban los CASSIBER pero en versión netamente electrónica. Un brutalífico Gólem de origen desconocido, posiblemente creado mediante Alquimia y que avanza a un ritmo despiadado de atonalidad y motivos abstractos. A medio tema muta el asunto con la inclusión de un hipnótico golpeteo casi bailable y retro que huele a neón y rueda quemada.

Ànicoc de "Kaeru" es lento y abotargado. Subacuático y pausado, va deslizándose con tono procesionario un lúgubre ritmo que se rompe cuando entran las abruptas notas de piano que parecen provenir de otro mundo. La melodía circular es dulce y recuerda a esas bandas sonoras de viejas y olvidadas películas italianas de los 70 que parecían compuestas en decrépitas cajas de música. Unir eso con la electrónica es simplemente genial. Odagled afianza el tramo final con "ANMUROD", bestial corte con tintes Neogiallescos y mucho sintetizador volcánico. Sythwave en estado puro. Curioso L​ü​ü​ü con "Sandías en la Orilla" y su Jungle bailable ultra triposo e hipnótico que se va intensificando hasta llegar al clímax Rave necesario para que la sandía madure, se disuelva y crezcan sandieras en el rompiente de la mar.

Para cerrar esta bestialidad de recopilatorio Helecho Experimentar necrosa la guitarra en "Sortear" bisbiseando ésta con un piano al más puro estilo Noir, toques a Jazz de Club y mucho, pero que mucho humo de cigarrillos.

https://oigovisioneslabel.bandcamp.com/album/close-stare-compilation-traspasa-tu-marco-no-te-evadas

lunes, 26 de febrero de 2024

PELAYO F. ARRIZABALAGA & ELI GRAS - "ÁRIDO" (LA OLLA EXPRÉSS LOECD034 / ALINA RECORDS AL129, 2023)

Venir aquí ahora uno como yo a tener que contar quiénes son Eli Gras y Pelazo Arrizabalaga me parece que entra en el campo de lo sacrílego. Entre ambos un currículum enciclopédico que hunde sus raíces en la noche de los tiempos del Avantgarde Electroacústico Free Español, por ponerle una etiqueta al asunto. Segundo disco del dúo tras Duplicat de 2013 (y que tengo que hacerme con él porque lo daba por descatalogado y me acabo de dar cuenta de que hay una segunda edición) vuelven a reencontrarse (y de qué forma) en Áridos, uno de los discos del año según mi obtusa opinión. 

Eli Gras es sononavegante, directora de ágoras dadaístas y del insigne sello-asociación LA OLLA EXPRÉS que coedita el disco junto al sello digital ALINA RECORDS que de vez en cuando nos regala con participaciones excesas en el mundo de lo tangible. Parte integrante de la escena experimental barcelonesa caleidopómpica de los 80, Eli toca en este disco la guitarra eléctrica y sus `instrumentos autoconstruidos´. Por su parte, cada célula de Pelayo Arrizabalaga es ante todo él mismo (digamos que si miras al microscopio cualquier - por ejemplo, mitocondria de Pelayo y amplias los suficiente, tendrás la seguridad de que lo que ves es Pelayo). El cántabro pinta mucho en todos los asuntos (inclusive el lienzo) siendo además vértebra / andamiaje de Orgon o Clónicos y es una batería de CULTURA que no ha precisado recargarse ni una sola vez en 40 años, tocando en este álbum el clarinete bajo, electrónica y vinilos.



A nivel técnico, Árido se graba en Madrid (Víctor Seguí en Estudio MI). Producción y mezcla son de Eli Gras y la masterización de Albert Guitart (alb-estudi). Una de las cosas que más me ha fascinado es el diseño del Digipack que Eli procesa / deconstruye a partir de una fotografía de Sadurni Vergés (Cia. Ars Moriendi). En total son 43 minutos de música etnodisruptiva que se dirige de forma inexorable al tronco del encéfalo, modificando estados de conciencia y llevándote a una suerte de cruce donde habitan cosas como el MU de Don Cherry / Blackwell, los devaneos Nubios de la primera Sun Ra Arkestra, meditativos motivos percusivos de la AACM a través de la Art Ensemble of Chicago si tiramos del pasado o cosas actuales de la misma localización como Angel Bat Dawid o Damon Locks. Electro/tribales descargas del Cuarto Mundo de Hassell burbujeando con una suerte de The ORB en modo opiáceo... y todo enharinado en una fresquísima pátina de inteligencia compositiva.

Experimental es, electroacústico por supuesto... pero Árido sobre todo da la sensación de ser el equivalente en sonido a lo que Jeremy Narby describe sobre la Ayahuasca en su libro La Serpiente Cósmica. Por ende, si tuviera que poner una etiqueta al álbum, sin duda sería Música Enteógena.

Abre el disco "Playa Vertical" con un loop cerrado de un surco de tocadiscos repitiéndose `Ad Nauseam´. Sobre esa base, va surgiendo un ciercense motivo melódico con algo parecido a un acordeón.... cascabeles y sonidos de algo cercano a un sitar creando un anticlímax hippiesco sobre el que se erigen un par de brutales notas sostenidas del clarinete que lenta pero inexorablemente va navegando sobre ese sustrato / compost de fondo en una plañidera aleación entre el Soundart y el Jazz contemplativo y espiritual afroamericano. Por momentos, todo me recuerda a esa excelsa obra maestra de Freegiliana de ALMAYATE sobre la que tanto he escrito estos años (justo hace ahora 10 años de la fecha en que lo descubrí). Notas punzantes y minimalistas (no sé si guitarra, cualquier ingenio de cuerdas de Eli o ambos a la vez) se baten en duelo con una forma de tocar muy orgánica de Arrizabalaga resultando todo el conjunto de carácter hipnótico y mántrico. El tema termina porque tiene que terminar, pero podría haber continuado hasta el fin de los tiempos....

Sigue el misterioso y órfico "Grava Técnica". Lejano y Dionisíaco, de cariz muy percusivo, imprima unos geniales matices espirituales que entroncan muchísimo con la manera que tenía Sun Ra de desarrollar sus pasajes más atonales. Para algunos y con razón también se les vendrá a la cabeza muchos de los experimentos de Eno con músicos alemanes (por ejemplo con Harmonia). Sé que es Pelayo el que toca, pero tengo que pellizcarme ambos pezones repetidamente para no creer que estoy escuchando a Cherry o incluso Coleman


Fabulosos los subrayados de electrónica que conforman un contraste alucinante y fabuloso también ese mini fade out con guiño a la Lounge Music. "Agua Negra" se acerca al Dadá o incluso a la Concrete Music. Cascada minimalista de loops sincopados que dan la sensación de estar cayendo en una catarata tipo Tetris e ir posicionándose en una especie de puzzle musical en caída libre (dicho de otra forma, como los salientes de las cajas de música metálicas); no le va a la zaga en abstracción "Limo" y sus cibernéticos drones y glitches.

Otros magníficos 10 minutos para "Mapa de Aires" que vuelve por los tonos del principio del disco. Multitud de sonidos selváticos sincréticos emulan vida efervescente. Me encanta cómo el clarinete subyuga con sus sostenidos barítonos... arañado de cuerdas amenazantes y un tempo lentísimo conforman una música que instila aires de extrañeza. Tras ese mini puente radiado de "Pixel" entra la dupla "Turbio" y "Maldon" que hilan una atmósfera cinematográfica opresiva que recuerda a esos clústeres afilados de Berard Herrmann que además nuevamente mete efectos radicales que me traen a la cabeza a una suerte de Esquivel menos esquizoide de lo habitual.

Para finalizar, "Plano Horizontal" destila Elismo y Arrizabalagismo por los cuatro costados. Cinco minutos de aterrizaje que parecen deconstruidos en 8 bits. Insisto, UNO DE LOS DISCOS DEL AÑO.

https://laollaexpressrecords.bandcamp.com/album/ridos-pelayo-arrizabalaga-eli-gras

https://alinamusica.blogspot.com/2023/12/eli-gras-pelayo-arrizabalaga-aridos.html

jueves, 22 de febrero de 2024

MONDO PODRE - "NADIE AL VOLANTE" (ROMANTIC SONGS RECORDS RSR078, 2024)

Ya presenté a los locos gallegos de MONDO PODRE con su Necronomía de Subexistencia en cuya reseña me explayé en su relación con la gente del excelente zine I DON´T GIVE A FUCK y algunos otros detalles; resumí su currículum y puse en contexto los violentísimos 14 minutos de Brutal Death Crust que ven ahora continuación con Nadie al Volante, otra barrabasada intensa para devotos de Cryptopsy, quizás una versión más Death de D.R.I., y sobre todo los Brutal Truth y Mortician aunque algún que otro pasaje me recuerda a Krisiun. La edición es tanto en CD (Romantic Songs) como en 7" a cargo de los sellos (corto y pego) Romantic Songs Records, Base Records y Cara Brécol (España); MinoR_ObscuR y Aktiver Ausstand in Plastik (Alemania), Throne of Lies (USA), Wrongdisk Records (Italia), Nieroby Records (Polonia) y Enfermo Distro (Portugal). 

En el apartado técnico, graba Miguel Villar (Estudios Cumbre), masteriza Simón da Silva (Empty Hall Studios) e ilustra Xabi (@xogarte) en un curioso contraste entre la epilépticamente colorida portada del anterior y esta que es en blanco y nero. El resto vamos a dejar que hablen los 12 minutos repartidos en doce cortes.

Bestial apertura a medio tiempo con "Psylocibe Pissdrinker" que se permite coquetear con un pútrido Death Doom con toques Sludge en las voces y que pronto cambia y permute a un técnico Grind Death de voces ultraguturales alternando con otras más agudas (ahí estan los Carcass, su aroma a Napalm Death aunque menos o Anal Cunt). Sigue como un pistón la brutal base rítmica de "Vendida al Mejor Impostor" en una onda bastante ecléctica que aúna tanto el Grind como el Crust y el Brutal Death... todo se sucede a velocidad de vértigo pero los riffs de guitarra son muy pegadizos y están bastante conseguidos haciendo que cada tema tenga su personalidad (a ratitos se me viene a la cabeza los Crani Sèptic barceloneses). Se extrema todavía más el asunto con "Youstapo" con un riff central de la guitarra, acoples de vértigo y una voz netamente Grind (afortunadamente sin llegar a lo porcino), al margen de una endiablada base rítmica con una batería que posiblemente gaste el sueldo de un mes en palillos.

Ya tuvimos conexión con Brujería en Necronomía de Subexistencia y vuelve a repetirse en la mini intro de "Horse Dewormer" aunque luego mute a derroteros de Brutal Death asfixiantes. Me flipa la voz gutural, bastante potente, grave y usada como un instrumento más. En "Serpes na Cripta de Ponzi" se le da incluso una vuelta de tuerca a la voz además de que la pauta melódica es mucho más intrincada, jugando a bajadas de temo infinitesimales, cambios de ritmo pseudo Thrash y un pistón de la percusión a la caja. Epiloga el disco "SUVnormal", con letras a mitad de camino entre Carretera de la Muerte del Año 2000 y un libro de Paulo Coelho y la versión "Gravaged (A Cryptopsy)", versión sui generis de los dioses Cryptopsy.


`Impones tu inutilidad
terrorista del asfalto
Coloso de Ruedas
Estámpate en un vado

Traes la desgracia a todo lo que se arrima
Dos toneladas de miseria y ruina
¿Bebé a bordo hijo de puta?
Si lo veo, lo atropello

Me he convertido en muerte, el destructor de muros

SUV-normal
SUV-normal´